La casa azulada: enero 2008

<a href="http://1.bp.blogspot.com/_ko4-1icaDhk/R5SVcVFFXYI/AAAAAAAAALw/QxAGHRe5Bb0/s1600-h/valentinasaa.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5157911787173404034" style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; CURSOR: hand; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="http://1.bp.blogspot.com/_ko4-1icaDhk/R5SVcVFFXYI/AAAAAAAAALw/QxAGHRe5Bb0/s320/valentinasaa.jpg" border="0" /></a><br /><div align="right"><span style="font-size:130%;">Valentina Saa</span></div><br /><div align="justify"></div><br /><div align="justify"></div><br /><div align="justify">a R.R.<br /><br />Duende que se posa en mis pies, convirtiéndolos en alas que revolotean sobre la danza de las olas. Las nubes se deshacen en lágrimas y todo verde, verde, delineado por un techo gris que amenaza más aguaceros de risas tuyas, tejidas entre palabras que me corren por las venas, que se forman en sueño, que se elevan a esas nubes que luego de desharán en lágrimas y humedecerán las montañas que ahora me rodean, mientras por instante cierro los ojos y tus labios se pintan en mis párpados, y trato de tomarlos y bebérmelos de un trago, como si fueras la resulta del abrazo fuerte de muchas uvas que dejan su sangre para teñirnos los momentos en que no nos vemos.<br />Duende, duende, esa magia que hace a un ser, a una ciudad… Duende, duende, que apareces en mis sueños y logras un país completo… Duende, duende, que te posas en mis pies, convirtiéndolos en alas…<br /><br />Se hace un camino en la arena, las pisadas se van borrando por las olas que juegan a seguirnos, la brisa crea un remolino sobre el agua, azul transparente y tú, Duende, respiras y te llenas de imágenes, peinas al día con tus palabras, que van, que vienen, que se mecen en una hamaca, arrullando al niño que llevas en tus pensamientos.<br /><br />Duende, duende, que posas en mis pies, convirtiéndolos en alas que revolotean bajo los rayos de sol, entre el murmullo del mar, junto a las palabras que nos decimos, con las risas que entregamos…<br />Duende, duende, que te posas en mis pies, convirtiéndolos en alas, que me llevan lejos, más allá del horizonte cielo, horizonte mar, norte o sur…<br /><br />11.01.08</div><div align="justify"> </div><div align="justify"> </div><div align="justify">Imagen de Jan Saudek</div>

<a href="http://3.bp.blogspot.com/_ko4-1icaDhk/R5STq1FFXVI/AAAAAAAAALc/JE8CY1y_534/s1600-h/leo.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5157909837258251602" style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; CURSOR: hand; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="http://3.bp.blogspot.com/_ko4-1icaDhk/R5STq1FFXVI/AAAAAAAAALc/JE8CY1y_534/s320/leo.jpg" border="0" /></a><br /><div align="right"><span style="font-size:130%;">Leonardo Rodríguez</span></div><br /><div align="justify"></div><br /><div align="justify"></div><br /><div align="justify">Descubrí a Carla Bruni, o más bien su voz, hace unos tres años-o eran cuatro. Una alemana amiga del matrimonio González-Meltzer me regaló su disco –cómo se llama-con canciones en francés y media canción en italiano. Esta última media era mi favorita, junto a aquella en que dice <a href="http://www.youtube.com/v/rAf_HIzdgxI&rel=1">"Si tu es le sage, je suis le fou"</a>. El disco no era nada del otro mundo, o más bien tenía algunas cosas que no parecen abundar en éste. Digamos que, en medio de la pobreza sentimental (sentimental, no sensiblera) de la música actual, la Bruni tenía algo que decir. Sentimentalismo del siglo XXI: acordes bien peinados, letras casi siempre correctas, guitarrita de gimnasio. Pero. La voz de la Bruni era dulce, y si me cantaba canciones al oído yo no me iba a poner muy exigente. Tal vez, después de conocernos mejor. Y es que me parecía que esa pequeña apuesta por el amor, ese gimoteo entre bastidores, ese bajar la voz frente a un dios ahora devaluado, tenía algo encantador y hasta rebelde. Sí, Carla Bruni estaba enamorada. No de alguien en particular, tal vez de su propia voz, como tantos poetas, tal vez del productor francés o qué sé yo, pero estaba enamorada. En el imperio de las Britney Spears, en las regiones de Daddy Yankee y el Reguetón, en la utopía galáctica de la música electrónica, eso era una distinción. Bruni no era una niñata acobardada por el mundo, no vendía gasolina, ni vivía en un platillo volador. Carla Bruni quería cantar, y no en un solo idioma, sino en francés y en italiano. El amor contemporáneo canta en varias lenguas.</div><div align="justify"><br />Luego la vi, no sé si en Internet o en una revista: se me apareció. Estaba enamorada y era bella. Ave María purísima: esa mezcla tiene lo suyo. Como Helena, la aquea de la perdición, Carla estaba divina. Un amigo gay italiano, al ver mi embeleso por su compatriota, me confesó que no le molestaría acostarse con ella, puro prosciutto crudo. Al contrario del mito, muchos creemos que las bellas son siempre inteligentes. Y en esto no estamos mejor encaminados que los que aseguran que son siempre idiotas. Carla era una ninfa de la canción y una diosa de los castings europeos. No podía ser tan obtusa, no. Yo tarareaba: <em>Cuando sei qui con me / questa stanza no na piú paredi.</em> Fue la primera canción-y la penúltima-que me aprendí en italiano.</div><div align="justify"><br />Ahora aparece con Sarkozy, el actor más famoso de la Francia contemporánea. La bella enamorada y el político enamorador. Mezcla candente. Monsieur Le President se pasea por Jordania y Egipto con el hijo de la Bruni en los hombros, un San Cristóbal en función de padrastro. Sarko es proteico o, más bien, proteínico. Un día saldrá con una traducción de Tucídides o Isaiah Berlin al francés, prologada por el poeta-político Dominique de Villepin. O en una pelea de boxeo, tal vez contra Chávez o Putin, o en una porno, tal vez compartiendo pantalla con su ex, la hierática Cécilia.<br /></div><div align="justify">Y a nosotros qué. Está claro-o debería estarlo- que los políticos son actores de reparto para las películas más importantes. Pero ya esto es demasiado. El tipo conoce (tal vez el verbo sea excesivo) los resortes emocionales más básicos. Sarkozy quiere ser Schwarzenegger, Mickey Rourke, Jean-Paul Belmondo y Jim Carrey a la vez. No le importa sólo la gloria política sino sentimental. Quiere que el mundo entero sienta celos de él. Y lo logra. </div><div align="justify"><br />Pues qué, Carla, yo que te hubiera querido cantar, en mi italiano de menú, una de <a href="http://www.youtube.com/v/wVB87UgHLTQ&rel=1">Rita Pavone</a>, que escuché en una película del admirado Fabián Bielinsky. <em>Non essere geloso / se con gli altri ballo il twist. / Non essere furioso / se con gli altri ballo il rock. / Con te che sei la mia passione / Io ballo il ballo del mattone</em>. ¿O serás tú quien se la cante algún día al pantallero de Sarko? Demuestra que aprendiste algo cantando, amore. Edith Piaf-una autoridad- amó a un boxeador, el bueno de Marcel Cerdan (algunas de sus peleas están ahora disponibles en youtube, como las canciones de su mujer). ¿O será que el que no quiere entender nada de nada soy yo? ¡La diosa de los castings con el presidente de Francia! El amor ¿es ciego o es el encargado de hacer aquí el reparto de papeles? </div>

Il ballo del mattone

<a href="http://3.bp.blogspot.com/_ko4-1icaDhk/R5SMe1FFXUI/AAAAAAAAALU/MrxkaMhFQko/s1600-h/carlospadron+eric+m.+gustafson.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5157901934518426946" style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; CURSOR: hand; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="http://3.bp.blogspot.com/_ko4-1icaDhk/R5SMe1FFXUI/AAAAAAAAALU/MrxkaMhFQko/s320/carlospadron+eric+m.+gustafson.jpg" border="0" /></a><br /><div align="right"><span style="font-size:130%;">Carlos Padrón</span></div><br /><div></div><br /><div></div><br /><div align="justify"><strong>1. El “9 cito”</strong><br />A veces lo imprevisto logra expulsarnos, aunque sea por instantes, de nuestras momificadas cotidianidades. Y es asi que luego de una entrañable conversación con los amigos en una taguara de El Hatillo, me encuentro, como teletransportado, en el legendario pueblo de Escuque, a pocos minutos de Valera.<br />Aún no estoy muy seguro de cómo llegué aquí; me levanté esta mañana sin poder identificar los sonidos lejanos de un lugar que no es mi lugar habitual: incontables gallos que cantan al amanecer, en coro con las campanadas melodiosas y ubicuas de una iglesia casi centenaria cuyo nombre, hoy ya despierto, me han referido mis anfitriones: Iglesia del Niño Jesús de Escuque. Me froto los ojos y en la ambigüedad de la duermevela recuerdo: no estoy en Caracas.<br />Quizá sólo la anticipación planificada del futuro nos otorga la posibilidad de encontrar la esperada coherencia de nuestras acciones. Mis amigos y yo, por el contrario, luego de escuchar, en la susodicha taguara, un relato olvidado de la historia popular de El Hatillo, uno sobre compinches que aguardaban en una subida el ruido de la mocha de un camión para robarle algunas gallinas al chofer, quien, al cabo de los rutinarios robos, se resignaba a entregarles siempre los esperados pájaros, decidimos por un impulso involuntario que se parecía casi a un tic: ¡vámonos pa’ la tierra de Ramón Palomares!<br />Ahora estoy en un pueblo que atraviesa la historia desde 1559, rodeado de obstinadas montañas desiguales, en una especie de isla colonial que flota empinada en medio de nubes que viajan de barlovento a sotavento, y entiendo la belleza del nombre Escuque, el cual quiere decir "tierra de nubes" en la lengua de sus primeros pobladores, los Cuicas.<br />Sus pobladores actuales, además de calurosos anfitriones, reafirman mi idea de cómo lo inesperado puede despertarnos del sueño gris del día a día. Giros del sentido y toda clase de volteretas humorísticas se despliegan en estas personas inventivas que no dejan de sorprenderme. Una inventiva que, especulo, debe tener algo que ver con que esta antigua ciudad haya sido fuente de tantos artistas fecundos: Ramón Palomares y Eloísa Torres, para sólo nombrar los más conocidos.<br />Una breve visita al bien conocido abasto "9 cito" del encantador Mogollón, es suficiente para vivir las ocurrencias de los escuqueños. El mago Mogollón (así lo bautizamos en secreto, pues del mismo modo que sacaba chistes de un imaginario sombrero de copa, realizaba trucos como el de convertir un billete de cien en uno de mil, o el de la llamada "cartera mágica") es pródigo en chistes e ingenio. Despacha en un abasto abarrotado de productos de toda índole, fotos que por un lado muestran imágenes de antiguos amigos que frecuentaban el lugar, y por otro nos recuerdan siniestros restos humanos del conocido y funesto choque contra el páramo del avión de Aeropostal (donde, recuerdo de manera insospechada como todo en mi visita, murió mi maestra de ciencias naturales de primaria, dejándome la secreta culpa de haberme peleado con ella el viernes antes del fin de semana cuando bajó a las profundidades de la noche definitiva entre las montañas más altas), un trozo de ese mismo avión, un zorro disecado en una esquina, antigüedades como planchas, máquinas de coser o un vetusto anuncio de barbería, y, detrás de la barra, la inmemorial imagen de un niño sumamente triste, casi lloroso, debajo de la cual está escrito: "Yo fío cuando este niño se sonría".<br />Mis amigos y yo, acompañados de nuestros camaradas del pueblo Larry y Chang Chang (un amigo mitad escuqueño-mitad tailandés que se resiste a abandonar los encantos de la tierra de nubes para irse a vivir con su familia a NYC), quienes hablan con un dejo andino mezclado con expresiones maracuchas, guaras y algunos "qué pasó, men", estamos bebiendo unas frías y riéndonos a carcajadas en la entrada del "9 cito"; de pronto un señor como salido de otra época entra al lugar pidiendo chimó, pero eso sí, del que es para escupir en ventana, mientras se nos acerca una señora que me sorprende con un "¡Ustedes sí están bravos!". Y me digo: todo puede suceder, entre las nubes apacibles de los Cuicas, todo puede suceder.<br /><br /><strong>2. La esfera de oro<br /></strong>Dice Dostoievski que el hombre es el animal que se acostumbra a todo. Y la costumbre se convierte pronto en hábito. Hábito de lo bueno o de lo malo. En Escuque, apacible tierra de nubes muy cerca de Valera, me doy cuenta de que soy un habitué de la infelicidad urbana. Pues la diferencia es demasiado conspicua.<br />Uno a veces advierte lo que no tiene o lo que ha perdido por oposición: caminar sin rumbo fijo (versus el carro o el trabajo o el lugar estipulado o el cerrado círculo en que nos movemos, por cárcel); el saludo desinteresado, amable y sincero del extraño (versus el saludo desconfiado o avaro o por el contrario demasiado melifluo, cuando no la señal de costumbre o simplemente la nada, la pura nada); la puerta abierta (versus la reja, el candado y la alarma); el real silencio (versus el estruendo de la ciudad que acompaña como un ruido sordo que ya no se escucha pero atormenta, un silencio vicario, podría decirse); la generosa conversación sin objetivo ni tiempo (versus la charla vacía y no menos vertiginosa con propósitos bien preestablecidos o segundos propósitos o inteligente o teñida de sospecha); el ritmo lento, denso y azaroso de la vida (versus la velocidad de los pasos siempre guiados, la agenda, la repetición cotidiana y el "no tengo tiempo"); el juego, la risa y la posibilidad de lo imprevisto (versus la seriedad del día a día que no da espacio para nada más; seriedad que, como dijera el psicoanalista Ferenczi, es "el triunfo de la represión"); el accesible vecino (versus el potencial enemigo que vive al lado); la sencillez (versus la pose o el artificio, y las zancadillas que nos ponemos a nosotros mismos y a los otros); en fin, la vida (versus la parodia de la vida que trágicamente también es vida).<br />La última noche de mi breve visita a Escuque la paso en la calle en compañía de rostros que por desconocidos no dejan de suscitarme el sentimiento de que ya los había visto. Que hayamos perdido la costumbre de lo bueno, no quiere decir que no la reconozcamos, y más aún, que en su cercanía no nos sintamos como en casa. Estoy escuchando música escuqueña, y de Héctor Lavoe y Maelo frente a la casa abierta de un amigo que conocí esa noche pero que sentí ya conocer desde hace tiempo: el inmortal Piqui, inmortal no por su fama, que no la tiene (yo tampoco), sino por haber sobrevivido a mil y un avatares, el último de los cuales, me cuenta esa noche, fue la mordedura de una culebra.<br />Y entre una ya difusa conversación sobre el alma en el modo de cantar de algunos cantantes que no tienen sin embargo lo que se llama una ‘voz correcta’; anécdotas del conocido y ya fallecido Palomo (tío de Ramón Palomares), como la de la vez en que le preguntaron algunos forasteros (como yo) frente a la iglesia de Escuque si esa iglesia era de allí y él respondió: "No, ésta es prestada, la nuestra la están pintando en Valera"; y los tragos de anís con soda y azúcar que me ofrecieron "pa' que sepa lo que es bueno", pienso: "Esto sí es calidad de gente, gente con alma".<br />Vuelvo la mirada hacia una de las montañas que ciñe a la tierra de nubes; Castel de Reina, se llama. Recuerdo la leyenda apenas escuchada de cómo los Cuicas, primeros pobladores de Escuque, se vieron obligados, al ser cercados y sentirse amenazados por los españoles buscadores de El Dorado, a esconder en esa montaña la esfera de oro que adoraban como la diosa o reina Icaque, hija del sol. De allí el nombre de la montaña, "Castillo de la reina". Se cree que la esfera aún está escondida en algún recóndito lugar de la oscura montaña.<br />Pienso en cómo la vida urbana significa cercarse o cerrarse, huir de amenazas reales o imaginadas, y así perder la costumbre de lo bueno. "¿A qué le tememos? ¿Quiénes son hoy los invasores?", me pregunto. Y otra vez inquiero, como hechizado por el anís, la música, la entrañable compañía, las nubes nocturnas, la inclinación de la isla flotante que es Escuque, las ubicuas campanadas de la una y acaso por el influjo secreto del recóndito sol de la noche escondido en la montaña: "¿Dónde está la esfera de oro que perdimos"?<br /><br /><strong>3. p.d.:</strong> Mi inesperado viaje a Escuque ocurrió ya hace algunos años. Escribiendo estas líneas me doy cuenta de los subrepticios hilos que lo enlazan al presente, mi presente. Sigo sin estar en Caracas. Vivo, por los momentos, en NYC. Cuando desperté mi primera mañana en esta otra isla me costó trabajo reconocer que no estaba en Caracas. Desde entonces lo imprevisto, para abusar de las palabras de Sartre, me muerde el cuello todos los días. Me pregunto si algún día me encontraré a Chang Chang cruzando alguna calle de Brooklyn. </div><div></div><div></div><div></div><div> </div><div> </div><div>Imagen de Eric M. Gustafson.</div>

Tierra de nubes

<a href="http://3.bp.blogspot.com/_ko4-1icaDhk/R5SLM1FFXTI/AAAAAAAAALM/b-_lPCTolF8/s1600-h/leofelipe.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5157900525769153842" style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; CURSOR: hand; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="http://3.bp.blogspot.com/_ko4-1icaDhk/R5SLM1FFXTI/AAAAAAAAALM/b-_lPCTolF8/s320/leofelipe.jpg" border="0" /></a><br /><div align="right"><span style="font-size:130%;">Leo Felipe Campos</span></div><br /><div align="justify"></div><br /><div align="justify"></div><br /><div align="justify">Esta ciudad no es la misma que se mira desde el cerro, aquí la maldición juega un papel importante. Algo así anotó Fonseca, que también dijo de ella que tiene más gente que moscas, una obviedad que a veces espanta.<br />Por supuesto, yo soy uno entre esa gente, el que está ahí sentado detrás del ventanal del piso siete. Ya lo ven, me protegen el papel ahumado y el aire acondicionado de la oficina. Sí, estoy fumando y bebiendo un vaso de escocés, dieciocho años, tres hielos grandes, sin agua; como debe ser. Soy un privilegiado, lo sé. Supongo que desde aquí arriba la ciudad tampoco es la misma, pero no me importa.<br />Verán, Fonseca es uno de mis mejores amigos. Habla poco. Por eso he tenido que venir yo en su nombre a leerles esta historia. Es periodista de opinión, abogado y fiel. En casos como el suyo -hay que decirlo- eso puede resultar una desgracia: Fonseca siempre ha sido militante de derecha. Pero por extraño que suene, hablar de su historia es hablar de la historia de esta revista.<br />Seré más preciso: la historia de esta revista comienza y termina con el encuentro de Fonseca y Yukio Mishima en el Salón Tojo de su mansión, en diciembre de 1968. Así que no se espanten por el nombre, a todas luces un guiño Sci - Fi que empezó para seguirle el juego a <em>2001, Odisea en el Espacio</em>; la famosa película que con tanto éxito estrenara Stanley Kubrick en los Estados Unidos ese mismo año.<br />Mishima y Fonseca eran hombres cultos y curiosos, ambos seguían de cerca la literatura inglesa, leyeron primero el libro, luego vieron la película -cada uno por su cuenta- y cuando se sentaron frente a frente, comenzaron a hablar primero de dinero y negocios, luego de política internacional, y finalmente de vanguardias, o de lo que ellos creían que eran las vanguardias. Comentaron, claro, la película de Kubrick. Y pronto se hicieron amigos.<br />Lo primero a tener en cuenta: Fonseca no fue a Tokio como periodista, sino por un asunto de contratos, lo había enviado el bufet.<br />Al llegar a la casa de Mishima, pudo verlo trajeado con el fastuoso uniforme de la Tatenokai, que poseía enormes botones de bronce. El japonés estaba almorzando en el salón de su palacio sobre almohadones de seda importada, usaba cubiertos de plata y a su lado reposaba una larga espada con empuñadura de nácar y diamantes.<br />Presten atención, porque en esta historia que empieza en el vacío de Mishima, sigue a Fonseca, alcanza a las ciudades de ciencia ficción y determina el inicio y el fin de esta revista, no sobra nada. El uniforme del que hablamos fue diseñado por el entonces único modista consagrado del Japón: Tsukumo Igarashi. <br />El orden es más o menos como sigue: Igarashi creó los uniformes militares que utilizaría el mandatario francés Charles de Gaulle a principios de 1968. En abril de ese año, Stanley Kubrick estrenó en los Estados Unidos la película 2001, Odisea en el Espacio, del libro homónimo de Arthur C. Clarke. Como ya dije, parece que obtuvo éxito. Un mes más tarde, lo que comenzó con una huelga general de los estudiantes parisinos terminó llamándose Mayo francés, o Mayo del 68. Y mientras la mayoría de los artistas asumían causas de izquierda como el rechazo a la Guerra de Vietnam, el anarquismo o el situacionismo, y miraban los hechos como una oportunidad de cambio y el camino hacia la libertad sexual, Yukio Mishima pensó en apenas la segunda y la tercera de sus maravillosas y desacertadas decisiones estéticas: crear un ejército privado. E inventar una revista fantasma. [1]<br />Para su ejército consiguió a cien soldaditos de plomo que vistió con el mismo diseñador del derrocado más famoso de Occidente.<br />Para la revista, ésta que nos trae a cuento, se juntó con Fonseca y se bebió unos tres vasos de whiskys después de la comida.<br />Eso es lo que hoy por hoy asegura mi amigo que ocurrió en ese encuentro, donde además del uniforme y el poder; él y Mishima hablaron sobre la belleza, la literatura, el compromiso y algo que entre ambos decidieron llamar Desplazamientos Laterales.<br />Tatenokai significa La Sociedad de los Escudos. Pero Fonseca, que escuchaba con atención y de vez en cuando anotaba algunas frases sobre un pequeño cuaderno que guardaba en el bolsillo de su saco, tradujo mal. Puso: La nueva comunidad de los Escudos. Así que la revista, que nunca debía salir a la luz, pues se trataba de una publicación fantasma: hecha de vacío, se iba a escribir en tres idiomas e iba a llevar por nombre: <em>2021, la nueva revista de la Comunidad de los Escudos y su Odisea en el Espacio</em>. Algo que en japonés se pronunciaría como Zasshi Nokai Supesu, porque más que al espacio cósmico, o sideral, o exterior, se refería al espacio que ocupaban los cuerpos. A algo que siempre iba a estar por llenar.<br />En un principio Mishima dijo que el cuerpo es una vasija llena de un espacio vacío. Y que Heihachiro Oshio tocó la vaciedad y murió. Eso lo dijo calmado por comenzar con un ejemplo, mientras se levantaba de uno de los almohadones, a buscar un trago y un habano, como el que me fumo yo en este momento.<br />Algo estaba alumbrado en la visión del japonés y algo se desprendía también de nuestro amigo Fonseca. Otro ejemplo: Mishima hablaba de los héroes, o del fracaso de los héroes. Y Fonseca le decía que en su ciudad, que es ésta en la que nosotros vivimos, todos mueren jóvenes y presos de la verdad. Tomando en cuenta que los muertos se elevan, le contestó Mishima, podríamos asegurar entonces que cuentan ustedes con un cielo joven, el más hermoso del mundo. En cambio todos nuestros héroes han fracasado, todos ellos han sido lamentables fracasos, insistía.<br />La comida estuvo colmada de frases previsibles: la capacidad de la derecha al debatir con los estudiantes universitarios de la izquierda en la Universidad de Tokio, el rescate del valor del Samurai, la figura del Emperador, y el culto del cuerpo.<br />Sirvieron todo en el Salón Tojo porque esa tarde, alrededor de las seis y frente a la mirada inquieta de Fonseca, Mishima se hizo algunos retratos con Kishin Shinoyama, su fotógrafo predilecto, el mismo joven que dos años antes lo retratara atravesado como un San Sebastián agónico y excitado. Mishima no solo admiraba la belleza masculina; también solía afirmar que esa imagen fue la primera en producirle una eyaculación. Mishima no solo estaba influenciado por sus sueños; también lo estaba por sus deseos. Mishima solía bromear -y así se lo hizo saber a Fonseca- con el milagroso arte de hacer que todos en el Salón Tojo lucieran como ángeles.<a href="http://4.bp.blogspot.com/_-auKtDVvLXE/R1cKM-u_-FI/AAAAAAAAArs/eOe1n9XLFJ4/s1600-h/mishima_san_sebastian.jpg"></a><br />De ese encuentro, el único entre el japonés y nuestro amigo, sólo quedan un artículo publicado en enero de 1969 en los diarios El Nacional, de Venezuela, y Folha de Sao Paulo, de Brasil; y esta especie de testimonio que transcribí yo hace una semana desde la comodidad de mi oficina, adonde estoy ahora bebiendo. Esa misma semana me dijo Fonseca: la nuestra sigue siendo una ciudad moderna y horrible, acorde a las vanguardias; todos corren detrás del dinero y quedan pocas tradiciones espirituales.<br />Yo estoy de acuerdo, desde aquí arriba puedo ver claramente cómo todo se desmorona de una manera poco agradable, aunque, repito, no me importa. Y creo que mi amigo plagiaba al japonés. Porque digámoslo de una vez, en ese encuentro Fonseca determinó que lo mejor no era la impostura sino el juego de espejos: supo que importar un modelo de vacío era al mismo tiempo la mejor de las revoluciones para este continente.<br />Mishima sabía que la belleza de la acción es un fuego artificial que no se apaga, porque logra perdurar en la memoria. Y Fonseca habla poco, por eso he tenido que venir yo en su nombre a leerles la historia de esta revista. Todo me lo ha contado él, que está a punto de morir.<br />Es así como he querido revivir la forma para rescatar al espíritu que sobrevive. Yo sé lo que quiero: organizarme y hacer clara una imaginación compleja. Estoy ante el proceso de construir un orden externo. Fonseca me dio todos los secretos. Me dijo que, como el japonés, debía optar por el ridículo y ofrecer una demostración práctica de ello.<br />Es posible que se deba a lo que hay de íntimo en mi personalidad, a mi idea básicamente romántica de lo que es la literatura: la obsesión de la muerte y el tema de la ilusión, dijo Mishima. Y ante lo aparatosa de su historia, ante su tragicómico suicidio como acto de liberación, ante la ideología rigurosa que sigue imperando y el amor a la violencia, lo más ridículo que podía hacer era otorgarle un cuerpo a aquélla revista fantasma. Y es lo que he hecho. La he llamado <a href="http://2021pf.blogspot.com/">2021, Pura ficción</a>, para que no me acusen de poca originalidad. Y se edita en un solo idioma.<br />Esa es mi dimensión política. De todo esto se desprende que no a los escritores ni a nuestras máscaras, pero sí a la literatura. Al menos en esta publicación es a ella a la única a quien se va a tomar en serio.<br /><a href="http://4.bp.blogspot.com/_BiFTnd7EqjY/R0HUYe_X3oI/AAAAAAAAAAs/MkcYTE5JrNw/s1600-h/YM.jpg"></a><br />[1] Este texto dice la segunda y la tercera porque ya hace mucho que Mishima había adoptado su primera impostura al cambiar su verdadero nombre: Kimitake Iraota. Por otro lado, queda claro que resulta posible, pero marginal, conocer con exactitud el orden de las decisiones artísticas del afamado escritor, modelo y dramaturgo japonés.</div>

Zasshi Nokai Supesu

<a href="http://2.bp.blogspot.com/_ko4-1icaDhk/R5SJplFFXSI/AAAAAAAAALE/nEjmJdlMEu0/s1600-h/LACAN_1931.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5157898820667137314" style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; CURSOR: hand; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="http://2.bp.blogspot.com/_ko4-1icaDhk/R5SJplFFXSI/AAAAAAAAALE/nEjmJdlMEu0/s320/LACAN_1931.jpg" border="0" /></a><br /><div align="right"><span style="font-size:130%;">Sodely Páez Delgado</span></div><br /><div></div><br /><div></div><br /><div align="justify">“…en lo que estoy diciendo, en realidad, es el Otro quien habla”<br />Lacan<br /><br />La palabra ética deriva del vocablo griego <em>ethos</em>, el cual poseía en su origen dos significados diferentes. El primero, refería al lugar donde se habita, una definición que, enriquecida más tarde por múltiples influencias, aludía a la actitud interior, al lugar que el hombre porta en sí mismo. Esta acepción primigenia fue la adoptada por Heidegger como andamiaje para sustentar su tratado filosófico en torno del ser: ”el pensar que afirma la morada del hombre en el ser”.<br />El segundo significado apuntaba al singular modo de ser del individuo, al carácter adquirido por la fuerza del hábito.<br />En un primer tiempo, la ética era considerada como el estudio de los principios morales que rigen el comportamiento de los pueblos, es decir, se la concebía como una teoría sobre los hechos morales.<br />No es sino hasta bastante adentrada la modernidad, gracias a Kant, que la ética fue considerada como una disciplina filosófica distinta a la metafísica y diferenciada de la moral, lo que condujo a una definitiva discriminación conceptual entre dichos términos. Hasta entonces, ambos conceptos, ética y moral, eran usados como sinónimos.<br />Si etimológicamente la primera proviene del griego, la moral lo hace del latín <em>mos</em> que significa carácter, norma, precepto, modo de vivir. Este hecho podría explicar, de algún modo, la confusión semántica aún hoy existente en algunos sectores del conocimiento formal y del quehacer social.<br />Es frecuente el uso de la ética como adjetivo para calificar y evaluar el comportamiento de los individuos. Para determinar si éste se corresponde con las premisas morales implícitas en los parámetros sociales establecidos de acuerdo con la ideología dominante respecto al bien y el mal.<br />Las Instituciones, los gremios y cualquier tipo de organización o grupo social, por lo general, tienden a diseñar su propio y específico código de ética a partir del cual se edifican las normas que gobiernan la actuación y las relaciones de intercambio de sus miembros, en función siempre de una perspectiva moral acerca del ser, que está al servicio del deber y el bien común. Es pués la noción del bien del hombre y los medios para alcanzarlo lo que clásicamente ha inspirado toda elucidación alrededor del tema.<br />Desde los filósofos de la Grecia Clásica, el interés y estudio de la ética estuvieron subordinados a la égida de la conciencia moral. Guiado por este espíritu, Aristóteles, desarrolló un listado de los bienes y virtudes a los cuales debía orientarse el hombre para alcanzar el bien supremo de la felicidad, sólo posible a través de la observación de una” conducta recta”.<br />Por su parte, Platón partiendo de una premisa similar acerca de la necesidad o importancia de alcanzar una vida virtuosa, privilegiaba la Idea con el objetivo de volver a ser lo que se es. Para arribar a tal destino, era imperativo practicar la contemplación, poniendo el énfasis en la justicia como la mayor y mas noble de las virtudes.<br />En un contexto diferente, el “yo pienso” cartesiano, su <em>cogitatio</em>, resulta completamente ajeno a la cosmogonía platoniana y griega en general. Se trata ahora del imperio de la verdad reducida a la certeza, un yo consciente cerrado sobre sí mismo que funda el pensamiento del hombre moderno.<br />Alcanzar una verdad objetiva, a través de la recolección de pruebas materiales de la existencia del ser y del objeto, mediante la empírica y la observación, es el paradigma de todo conocimiento.<br />Impulsaba a Descartes una necesidad de cerciorarse de las cosas que era impensable para filósofos de verdades abiertas con las que continuamente se topaban y eran sorprendidos los griegos.<br />En oposición, Kant, introduce mas adelante, el término ”subjetividad” para designar una concepción éticamente diferente del hombre, que fue retomada y ampliada por filósofos como Schelling, Hegel y Nietzsche entre otros.<br />Me sirvo de esta breve y resumida introducción al concepto de ética y la evolución del mismo, para señalar que la práctica psicoanalítica se edifica a partir de una noción ética particular. Aunque trata, confronta y cuestiona preceptos morales y culturales, inscritos en el inconsciente del individuo y fundantes del mismo, está lejos de ser una práctica reeducativa o una nueva teología moral.</div><br /><div align="justify">Afirmaba Heidegger que “el sujeto de la experiencia interior no es mas que la descendencia indigente del <em>cogito sum</em> cartesiano”, nunca su núcleo. <em>Dasein</em>, es el vocablo intraducible que utiliza para explicar al hombre y su relación con el mundo, “ser-el ahí”, el hombre en su esencia, el alma para Aristóteles.<br />La ética del psicoanálisis es la ética del bien decir, no del bien soberano sino del decir pleno, del decir de un sujeto que ya no es el de la filosofía cartesiana y que si, afirmativamente y con convicción, se aventura al análisis en busca de la verdad, descubre en la cura que esta es siempre polisémica, relativa, metafórica, penúltima y temporal. Una verdad entre miles que sufre las transformaciones necesarias en el tránsito hacia el cambio, la renovación y la develación. Verdades, en plural, que se encuentran en el sin-sentido y se esconden esquivas en lo no dicho, en los <em>lapsus</em>, los actos fallidos, los sueños y el síntoma.<br />Con Freud supimos que si bien es cierto que a lo largo de la vida el hombre conscientemente persigue su felicidad, hay un más allá que lo conduce por caminos tortuosos e impredecibles si acaso a una satisfacción posible que nunca es la esperada.<br />La lucha entre los ideales y la compulsión a la repetición se perpetúa en un destino incierto y sufriente en el que el sujeto aprende a gozar. El sujeto, pues, no busca su bien, nos dice Colette Soler. Debido a que su objeto está perdido originaria e irreversiblemente, está condenado a una insatisfacción que apenas si puede paliar en sus equívocas relaciones con el saber, el sexo y el amor.<br />Que la <em>talking cure</em> es una cosa de palabras es un hecho aceptado y compartido por todos los psicoanalistas, independiente de nuestras afiliaciones y marcos teóricos referenciales. En su decir y con él, el analizante establece relaciones que dan sentido, orden y resignificación a experiencias vividas y representaciones subterráneas, reprimidas y dislocadas, que han conformado su identidad y lo han estructurado como sujeto.<br />Discurrir sobre ética en psicoanálisis, es por tanto, hablar sobre la práctica analítica, una práctica pensada desde un punto de vista topológico, como un sistema organizado, constituido por lugares distintos a ocupar por los integrantes de la díada, en el que el deseo del analista soporta el discurso del paciente y opera sobre éste con el fin de obtener, no una hermenéutica del inconsciente, sino, en palabras de Lacan, “una rectificación ética del sujeto”. Dicha rectificación no es otra cosa que una articulación nueva con el saber y la verdad.<br />Es importante destacar que aunque existan dos personas en la relación analítica, el sujeto del análisis es uno sólo. Este, el paciente, con su falta en ser y en una relación de asimetría, que no niega la empatía ni está reñida con la calidez en el encuentro, dirige su demanda al analista encargado de dirigir la cura desde el lugar de sujeto supuesto saber en el que es ubicado por él en la transferencia. En la realidad, el saber está del lado del paciente, el analista no es más que su traductor, el semblante del Otro, un sujeto supuesto a saber, que nada sabe y que desde su propia falta interviene sobre las verdades forzadas que el analizante ha construido en su vida con el propósito imposible de velar su castración. Su división lo lleva al análisis y en éste la logra descubrir y aceptar. Al final, será solamente libre para escoger seguir sufriendo o resolver nuevos modos de ubicarse ante su falta.<br />Con sus intervenciones intermedias, ambiguas, plenas de interrogantes y carentes de certezas, el analista produce un efecto de vacío, de enigma, que enfrenta al analizante con el no–todo, con su falta. No es la esencia de un verdadero proceso analítico, ni tarea del analista, tranquilizar al paciente con el uso de explicaciones e informaciones esgrimidas como si de verdades reveladas se trataran.<br />En tal sentido, bajo la consigna “sin memoria, sin deseo y sin comprensión”, inspirado en los principios de neutralidad y abstinencia sobre los que Freud instauró el encuadre analítico, Bion propuso un marco de trabajo pensado primordialmente en el ánimo de atender y contener las posibles y eventuales actuaciones en las que podía incurrir el analista en su propensión a curar y saber. No comprender, sino habilitar la emergencia de sentido, semantizar al paciente valiéndonos de su discurso, es en palabras de Mirta de Pereda el objetivo capital del análisis.<br />Con la atención flotante freudiana se nos ofrece una modalidad de aproximación a los fenómenos psíquicos que favorece una escucha libre de prejuicios y facilita el encuentro con la verdad inconsciente allí donde menos se la espera. Sin embargo, muchos le han criticado al Freud clínico su excesivo apego a la realidad y el abuso en la utilización de la transferencia para inducir cambios en sus pacientes que muchas veces se reducían a un robustecimiento yoico más que a cambios profundos y estructurales en sus organizaciones psíquicas.<br />Lacan (1955), al poco tiempo de haber formulado su teoría del Nombre del padre, expuso su noción sobre “el deseo del analista” en la dirección de la cura, con la que cuestionó el lugar ocupado por el analista en la concepción freudiana: el lugar del padre ocupado por el analista cuyo poder obtura toda posibilidad de autonomización y vindicación del paciente.<br />Estos revolucionarios y controvertidos postulados, aportaron a la práctica analítica un significante nuevo, que reubica al analista dentro de una posición y dimensión ética diferentes en la dirección de una cura cuyo desenlace estaría determinado por factores distintos a los de la identificación con el significante fálico o con el analista padre-amo poseedor de la verdad.<br />El deseo del analista como deseo del Otro, no de la persona que el analista es, permite y promueve el discurso del inconsciente y el encuentro y reordenamiento de los significantes ,la verdad de su deseo inconsciente. El acto analítico, por tanto, descansa en una teoría de la significación, en la cual los juegos dialécticos entre transformaciones y deconstrucciones de los significantes precedentes se presentifican para dar lugar a nuevos efectos de significación.<br />A tal respecto, dijo Lacan: “Existen partes del discurso descargadas de significaciones que otra significación, la significación inconsciente, atrapa por detrás.” (Libro XII). Toda significación se fundamenta, pues, en una significación inconsciente. Prueba de ello lo constituye el síntoma, significación pura, texto con el que se intenta restituir un sentido perdido, el cual cede fácilmente su espacio en la cura ante la emergencia de una nueva significación que es aportada por el analista en su acto, con su voz, con su silencio.<br />Definida la experiencia analítica como “el campo donde se despliega la pasión del neurótico”, es según este autor, un cambio en su posición subjetiva, una destitución subjetiva de los síntomas, lo que marcaría el fin de análisis, no, una eficiente adaptación social del paciente o sus logros intelectuales, profesionales o económicos, valorados como insignias sociales ideales.<br />Desde Freud sabemos que el neurótico encuentra en los síntomas una forma sufriente de satisfacer la pulsión y ciertamente en el análisis se apuesta al descubrimiento de formas de satisfacción menos displacientes pero muy lejos de la aspiración y meta analíticas una adecuada y eficiente inserción y adaptación social del paciente.<br />El atravesamiento del fantasma, el descubrimiento del deseo como deseo del Otro, (tal como lo planteó Kojeve antes que Lacan) y por tanto la imposibilidad de satisfacción del deseo, como lo demuestra la incompatibilidad entre el deseo y la palabra, por ser ésta siempre equívoca y tramposa, ya que tiene su origen en cualquiera de los distintos estratos y personajes que conforman el sí mismo, son algunos de los indicios de que un análisis ha llegado a su fin. La pregunta ¿qué me quiere el Otro? es sustituida al final del análisis por ¿qué soy yo? ¿Qué soy yo en lo que digo?<br />Es éste el sujeto que adviene y no deviene en el análisis, el que lo precedía y se escondía en los resquicios de la represión, el que está en permanente construcción, el inacabado e inagotable en sus posibilidades pero que se sabe sujeto sujetado. El que ha adquirido e instalado la función analítica dentro de sí y el que reconoce su sí siempre en función de otro.<br />El fin de análisis no semeja para nada un happy ending hollywoodiense, aunque un saber hacer con el goce sea uno de sus derivados.<br /></div><div align="center"><br /><br /><strong>Bibliografía</strong> </div><div align="justify"><br />Heidegger, M (1981). <em>Conceptos Fundamentales</em>. Alianza Editorial.Madrid<br />Miller, J.A. (1997). <em>El deseo de Lacan</em>. Atuel. Argentina.<br />Pereda de, Mirta. (2007). <em>Jornadas de Niños y Adolescentes</em>. SPC.<br />Stoïanoff-Nénoff, S. (1997). <em>Problemas Cruciales para el Psicoanálisis. Una lectura del Seminario XII de J. Lacan</em>. Nueva Visión. Buenos Aires.</div><div align="justify"></div><div align="justify"></div><div align="justify"></div><div align="justify"> </div><div align="justify"> </div><div align="justify"> </div><div align="justify">En la imagen Lacan en 1931.</div>

Aproximación a la Etica Psicoanalítica

<a href="http://3.bp.blogspot.com/_ko4-1icaDhk/R5SFF1FFXRI/AAAAAAAAAK8/5aMOKCyxTIY/s1600-h/gaby.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5157893808440302866" style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; CURSOR: hand; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="http://3.bp.blogspot.com/_ko4-1icaDhk/R5SFF1FFXRI/AAAAAAAAAK8/5aMOKCyxTIY/s320/gaby.jpg" border="0" /></a><br /><div align="right"><span style="font-size:130%;">María Gabriela Lovera</span></div><br /><div><strong></strong></div><br /><div><strong></strong></div><br /><div><strong>I. Kurós</strong><br />La sonrisa se detuvo en el rostro de piedra.<br />Iba camino del amor.<br /><br /><br /><strong>II. Adiós<br /></strong>La roca se hunde:<br />una palabra expande círculos concéntricos sobre la piel.<br /><br /><strong>III. Estatua</strong><br />El mundo meteoriza tu quietud.<br />Tiene ganas de que hagas rodar tu canto.<br /><br /><strong>IV. Lapidario</strong><br />En el amor,<br />el corazón es la primera piedra.<br /><br /><strong>V. Infancia</strong><br />Un menhir<br />cuando niñaen el jardín de mis padres</div><br /><div></div><br /><div></div><br /><div></div><br /><div>Madrid, enero 2008</div><br /><div></div><div></div>

Mal de la piedra, cinco meteorizaciones poéticas

<a href="http://1.bp.blogspot.com/_ko4-1icaDhk/R5SDXVFFXQI/AAAAAAAAAK0/cS9qBApm1RU/s1600-h/claudia+henry+romero.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5157891910064758018" style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; CURSOR: hand; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="http://1.bp.blogspot.com/_ko4-1icaDhk/R5SDXVFFXQI/AAAAAAAAAK0/cS9qBApm1RU/s320/claudia+henry+romero.jpg" border="0" /></a><br /><div align="right"><span style="font-size:130%;">Claudia Noguera</span></div><br /><div align="justify"></div><br /><div align="justify"></div><br /><div align="justify">I<br />A veces cuesta levantarse en esta ciudad. Salir por cualquier puerta o resquicio puede significar el camino a la muerte, bajo el brazo inclemente de la miseria o simplemente del aburrimiento.<br />Pero también la ciudad puede ser amable y tierna, puede ser la diferencia porque se, con certeza, que estarás allí, ese espacio que ocupas me devuelve la calma y me prepara el camino para otros días de ausencia.<br />Así es esta ciudad, vive su vida, tuerce voluntades, nos atornilla a su destino. La contemplo y me doy cuenta que no tengo adonde ir, Caracas nunca pierde, no deja de latir (aun cuando tenga el pecho abierto y se esté desangrando).<br />En ocasiones cuando te vas siento que caigo, pero la ciudad me recuerda que estamos hechos a su imagen y semejanza.<br /><br />II<br />Ahora somos todos los extraviados, y no dejo de diseccionar esta ciudad tratando de reconocerla, hurgar en su idioma tratando de encontrar una sílaba que nos recupere el latido. Caracas es indiferente, despiadada y mortal, la he caminado de este a oeste, cruzo sus calles y avenidas, su basura y sus parques evadiendo la mano que pide, al niño durmiendo en las escaleras y al hombre que tiene ganas de matar, y sobretodo el foso que se cava profundo cuando la ciudad nos sabe vulnerables y heribles.<br />Se (y la ciudad lo confirma) que nunca hubo nada que hacer, por más que me adentre tratando de ubicar aquella caracas es inútil, algunas ciudades no dejan de ser desierto.<br /><br /><br />Del libro <em>Sobretodo o sobrenada o Caracas mortal</em></div><br /><div align="justify"><em></em></div><br /><div align="justify">Imagen de Henry Romero</div>

<a href="http://4.bp.blogspot.com/_ko4-1icaDhk/R5SCQFFFXPI/AAAAAAAAAKs/85rG1Pa-bus/s1600-h/mazzei2.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5157890685999078642" style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; CURSOR: hand; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="http://4.bp.blogspot.com/_ko4-1icaDhk/R5SCQFFFXPI/AAAAAAAAAKs/85rG1Pa-bus/s320/mazzei2.jpg" border="0" /></a><br /><div><a href="http://3.bp.blogspot.com/_ko4-1icaDhk/R5SB91FFXOI/AAAAAAAAAKk/iumE1PwzAkg/s1600-h/mazzei1.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5157890372466466018" style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; CURSOR: hand; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="http://3.bp.blogspot.com/_ko4-1icaDhk/R5SB91FFXOI/AAAAAAAAAKk/iumE1PwzAkg/s320/mazzei1.jpg" border="0" /></a><br /><br /><div align="right"><span style="font-size:130%;">José Antonio Parra</span></div><br /><br /><br /><div align="justify">Ana María Mazzei, artista de gran trayectoria lleva a cabo una obra en la que la composición se hunde lejos del plano del espectador, como haciendo un juego donde lo cóncavo se contrapone con elementos que asaltan abruptamente al espacio y lo deforman, le dan continuidad lineal y una exuberancia atípica.<br />Desde el punto de vista técnico se ha apoyado en la serigrafía, el dibujo, las artes gráficas y el fotomontaje; partiendo de elementos naturales, como la madera de cedro. Ana María abre, con su discurso, un diálogo atemporal con aspectos de la mitología amerindia. La propiedad rizomática de la composición, desarrollada a partir de un fino hilado que nutre la perspectiva en un juego de unicidades suavemente elaborados confieren una peculiaridad insólita a su obra.<br />El mitema y la exploración son parte misma de su trabajo, uno donde la abstracción ha surgido como proceso evolutivo muy natural en su historia personal, es una transgresión soterrada de los límites, un hundirse y elevarse dando lugar al <em>zig zag</em> de modalidades cromáticas con las que el espectador encuentra su propio lugar, uno intenso y suave, delicado y abrupto, confluencia de opuestos que se desplazan hacia las postrimerías de un tiempo que culmina en su propio retorno.<br />El desplazamiento emotivo se da lugar basado en el soporte de la madera como elemento discursivo que la artista ha trabajado desde los años setenta.<br />Mazzei inaugura un nuevo territorio, uno propio de las expresiones de su alma y su experiencia vital, una poética de cosmogonías personales, de microcosmos que no son sino matices del macrocosmos universal.</div></div>

Ana María Mazzei: el viaje rizomático

<a href="http://4.bp.blogspot.com/_ko4-1icaDhk/R5SBAFFFXNI/AAAAAAAAAKc/Ar-PiRoYc4w/s1600-h/lilia+lujan2.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5157889311609543890" style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; CURSOR: hand; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="http://4.bp.blogspot.com/_ko4-1icaDhk/R5SBAFFFXNI/AAAAAAAAAKc/Ar-PiRoYc4w/s320/lilia+lujan2.jpg" border="0" /></a><br /><div><a href="http://3.bp.blogspot.com/_ko4-1icaDhk/R5SA61FFXMI/AAAAAAAAAKU/gZUFiFRVDqY/s1600-h/lilia+lujan1.JPG"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5157889221415230658" style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; CURSOR: hand; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="http://3.bp.blogspot.com/_ko4-1icaDhk/R5SA61FFXMI/AAAAAAAAAKU/gZUFiFRVDqY/s320/lilia+lujan1.JPG" border="0" /></a><br /><br /><div align="right"><span style="font-size:130%;">José Antonio Parra</span></div><br /><br /><div align="justify"></div><br /><br /><div align="justify">Lilia Luján (México D.F. 1965), es una artista de formación autodidacta que a través de una exploración del espacio interior devela remanentes arquetípicos universales. Su discurso está muy ligado a la experiencia shamánica en una suerte de expresiones antropomórficas polimorfas. En su trayectoria multidisciplinaria ha trabajado la escultura, el plano bidimensional, el diseño de joyería y los textiles. Ha expuesto tanto en el continente americano como en el europeo y sus trabajos están en colecciones privadas así como en diversas instituciones dedicadas al arte, entre las que destacan la Universidad Autónoma de Madrid y la Universidad de Alcalá en España en las que su obra forma parte de su patrimonio artístico. Además del Museo poeta Javier de la Rosa (Gran Canaria, España), Museum of the Américas- Miami (USA), Claudio León Sempere-Museum of Fine Arts- (Buenos Aires, Argentina), Piag Museum (Florida,EE.UU), y el Museo AlmaFuerte (La Plata, Argentina).<br />En su trabajo escultórico puede apreciarse una fuerte tendencia hacia las raíces precolombinas en el tratamiento de la figura humana. Sus composiciones bidimensionales expresan el carácter extático del viaje y un situarse en ese espacio carente de asideros que Castaneda denomina nagual. El tiempo está disuelto en el plano; es una suerte de espacio lúdico donde el devenir toma lugar de manera estereoscópica de tal forma que la muerte no antecede al nacimiento en su desenlace.<br />Lilia Lujan es una exploradora de la conciencia, una artista que hace visible lo abismal.</div></div>

Lilia Luján: de lo invisible a lo abismal.

<a href="http://2.bp.blogspot.com/_ko4-1icaDhk/R5R8ZlFFXLI/AAAAAAAAAKM/LdjCaL-Xmgs/s1600-h/muu3.JPG"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5157884252138069170" style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; CURSOR: hand; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="http://2.bp.blogspot.com/_ko4-1icaDhk/R5R8ZlFFXLI/AAAAAAAAAKM/LdjCaL-Xmgs/s320/muu3.JPG" border="0" /></a><br /><div><a href="http://1.bp.blogspot.com/_ko4-1icaDhk/R5R8UVFFXKI/AAAAAAAAAKE/pLIDJSG8xzs/s1600-h/muu2.JPG"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5157884161943755938" style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; CURSOR: hand; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="http://1.bp.blogspot.com/_ko4-1icaDhk/R5R8UVFFXKI/AAAAAAAAAKE/pLIDJSG8xzs/s320/muu2.JPG" border="0" /></a><br /><br /><div><a href="http://1.bp.blogspot.com/_ko4-1icaDhk/R5R8MVFFXJI/AAAAAAAAAJ8/TrRegdswv7Q/s1600-h/muu1.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5157884024504802450" style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; CURSOR: hand; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="http://1.bp.blogspot.com/_ko4-1icaDhk/R5R8MVFFXJI/AAAAAAAAAJ8/TrRegdswv7Q/s320/muu1.jpg" border="0" /></a><br /><br /><br /><div align="justify">Muu Blanco, nace en Caracas 1966. Con pasantías académicas por la desaparecida Escuela Federico Brandt y el Instituto Universitario de Estudios Superiores Armando Reverón, Blanco se aleja rápidamente del ambiente académico que parece ajeno a su forma de trabajo. La obra de Blanco está conectada directamente con su experiencia estableciendo una simultanieidad entre el espacio contemplativo del objeto artístico y sus propias vivencias. Es posible decir que en esta simultaneidad de la obra de Blanco se produce un colapso, Uno que se manifiesta porque no sabemos si está entre los que quieren desesperadamente huir el mundo artístico o los que intentan infructuosamente penetrar en él. Su primera participación en el Salón Pirelli por ejemplo, consistía en una obra en continuación, convirtiendo uno de los espacios del museo en un lugar para la música, utilizado tanto por el propio artista como por otros Dj´s y bandas. Apartir de esta obra Blanco se dio a conocer como Dj e incluso fue declarado el Dj del año 1997 por la revista Urbe. Parlamento, el título de esta obra, ha estado asociado como emblema personal a otras actividades del artista como un lugar de encuentro para la cultura Techno y secuelas de la obra tales como la que presento el año pasado en Pirelli y sobre la cual dice María Luz Cárdenas: “(Muu Blanco) se cuela por entre el espacio institucional con un centro de eseñaza portatil para hacer llegar el mensaje Parlamento, ofreciendo nuevos tránsitos de lectura, normalmente no contemplados dentro del desarrollo del discurso museológico.” A partir de su renuncia a la primera etapa de su vida artistica en la pintura, Blanco ha logrado despojarse de una formalidad académica, e incorpora a sus obras sus experiencias, como la improvisación que está implícita en su actividad musical o sus necesidades sociales (que él mismo califica como sociopática) y sus emociones; y las vincula a unos lenguajes más aptos para un discurso sensible a las condiciones de la cultura actual, aquella que refuta la autoría, la idea de unicidad, la originalidad y el universalismo a ultransa. Así sucede en un video de 1994 que lleva por título Sin títeres, en el cual el artista envía una misiva de desilusión amorosa dirigida a la cámara mientras está parado en un pasaje altamente transitado del Metro de Caracas (este video fue mostrado en la exposición Longitud de Onda, en el Museo Alejandro Otero, Caracas, 1998). Recientemente Blanco mostró una obra que consistía en una lucha de barro en la Bienal de Barro. En la lucha, escenificada en la terraza del MBA, se enfrentaban un hombre y una mujer. La respuesta de Blanco a la exposición es característica de algunos comentarios que ha venido realizando últimamente así como la idea de trabajar en colaboración y desplazar su presencia del centro de la obra como fue su participación en el evento multimedia La Loba de la Pradera, Cabaret Digital, celebrado a principios de año en la Sala Mendoza en el que además de su presentación como Dj Curva Peligrosa mostró una antigua película china de artes marciales proyectada a la inversa como las pinturas del alemán Baselitz.Otras actividades de Blanco consisten en su incursión como conferencista en la Sala de Conciertos del Ateneo de Caracas bajo el título “De música no se habla, sino que se escucha”, 1995, un planteamiento didáctico-musical; su participación en 1997 en el evento musical 204 Tran“sonic junto al reconocido internacionalmente Dj Spooky así como en la versión musical de la exposición de video Longitud de Onda. Museo Alejadro Otero y en Eclipse Total 98, Bahía de Patanemo, estado Carabobo.<br /> Muu Blanco viene realizando desde mediados los años 90 una serie de obras que ponen de relieve la actividad performática. Ya sea en dibujos, fotografías, video, cine, esculturas, instalaciones, conciertos de música electrónica o performances, en sus trabajos importa más el momento y la acción de la que son consecuencia que el objeto en sí mismo. Una de sus obras más conocidas, Parlamento, 1995, nace precisamente de su interés por la música y su actividad como DJ. Presentada en un salón de jóvenes artistas, Parlamento era una recámara sellada en la que los espectadores podían aislarse y tener una experiencia con normas distintas a las del resto de la exposición. En esa habitación la gente se reunía a bailar, oír o tocar música, hablar, escribir sus opiniones en las paredes, actuar, a hacer cualquier cosa. Lo único que le daba coherencia a la situación era la presencia permanente del artista. Su obra en general podría entenderse como un examen de la búsqueda de honor, poder, riqueza y gloria, como una exploración de formas patológicas de narcisismo. Esta exploración del placer es un tema que puede rastrearse en muchas propuestas del artista: Obviamente pelea en barro, 1998 (una pelea en barro como las que se presentan en los bares para hombres); el Museo Blanco, 1998 (una instalación que funcionaba como una galería de las obras del extinto abuelo artista); un video autorretrato en el que el artista aparece confesando su amor en un pasillo congestionado del sistema subterráneo de Caracas; los objetos anacrónicos, una serie de esculturas instantáneas realizadas con restos de juguetes y otros objetos de reciclaje; o, incluso, haber convertido Parlamento, el performance de los inicios, en una tienda, son propuestas que apuntan siempre en dirección a un examen de las patologías contemporáneas del artista. </div><div align="justify"><br /><br /><strong>De los recientes pormenores de su viaje</strong></div><br /><div align="justify"><br />Recientemente el artista ha llevado a cabo una gira en la que ha expuesto en la VI Bienal del Mercosur dentro de la curaduria "Modernismo y anacronia" de Luis Pérez Oramas en Porto Alegre en Brasil en agosto 2007; así mismo participó con un solo show de la serie AAA en la primera Feria de Arte Moderno y Contemporaneo de Arte Latinoamericano en New York, Metropolitan Pavilion, Chelsee, nov. '07. En South Miami Beach en una de las vitrinas del Art Center en Souht Florida en Lincoln Road en, oct. '07. En una individual de la serie AAA en la Galeria Hardcore Art Contemporary en Windwood Art Distric, Miami dic. '07. Una participación en la feria Scope en Wind Wood Art Distric, Miami, dic. '07. En la FIA 2007 en Caracas. Así como su participación en la galería Sicart.</div></div></div>

Muu Blanco, dominio planetario

<a href="http://2.bp.blogspot.com/_ko4-1icaDhk/R5R6ulFFXII/AAAAAAAAAJ0/QWCw5gcNax4/s1600-h/carlitos2.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5157882413892066434" style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; CURSOR: hand; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="http://2.bp.blogspot.com/_ko4-1icaDhk/R5R6ulFFXII/AAAAAAAAAJ0/QWCw5gcNax4/s320/carlitos2.jpg" border="0" /></a><br /><div><a href="http://2.bp.blogspot.com/_ko4-1icaDhk/R5R6blFFXHI/AAAAAAAAAJs/QPEZmvdUPhw/s1600-h/carlitos1.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5157882087474551922" style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; CURSOR: hand; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="http://2.bp.blogspot.com/_ko4-1icaDhk/R5R6blFFXHI/AAAAAAAAAJs/QPEZmvdUPhw/s320/carlitos1.jpg" border="0" /></a><br /><br /><div align="right"><span style="font-size:130%;">Lala Herrera</span></div><br /><br /><div></div><br /><br /><div></div><br /><div align="justify">Carlos Enríquez González pasa más de seis horas diarias conectado al mundo virtual, conectado al Internet en perfecta comunión con una tribu de coleccionistas de juguetes <em>Kaiju</em> y <em>Seijin</em>, (ediciones limitadas de los monstruos que aparecieron en las décadas de los 60 y 70, en las series de Goldar y de <em>Ultramán</em> entre otras muchas). Sus influencias, su obsesión, se encuentran dentro de esa tribu de cibernautas del siglo veinte y uno ubicada al borde de cualquier cultura caribeña, latina, de cualquier elemento popular venezolano. Este artista plástico hipnotiza a sus visitantes con videos de series televisivas de los años 60 en donde un Robot Gigante con melena de Barbie, o melena Rubia de Artemisa, combate las amenazas que recibe la tierra del espacio exterior, nos embeleza con películas de culto como <em>Los payasos asesinos del espacio exterior</em> o la serie completa e integra en blanco y negro de Perdidos en el espacio y películas tan abominables que giran por completo hasta convertirse en arte, películas B del director de cine Ed Wood. Carlos Enríquez González nos enseña una estética puntual que lejos de ser <em>Pop</em> adquiere mucha significancia al final de un siglo en donde ya no monstruos pero si aviones 747 se estrellan contra las Torres Gemelas. Yo misma quedé hipnotizada frente al televisor de Carlanga, quien como forma de vida crea obras plásticas que dialogan en el sistema de coherencias del arte contemporáneo y que a su vez es tan venezolano como las caraotas refritas y la miel de aricas.<br /><br />Observo capítulos enteros de <em>Goldar</em>, el Robot Gigante de Quince metros de largo, dorado, que en traje de goma espuma combate a monstruos galácticos que atacan a nuestro frágil planeta. En este momento siento que mis sentidos se descomponen y me pregunto ¿Cuánta hiper-sensibilidad habrá atacado a este artista y coleccionista de <em>Seijin</em> japoneses? -juguetes de culto asiático, llenos de simbolismos y arquetipos pop que por alguna razón tienen una estética vanguardista que los hace muy actuales y traspasan las barreras al siglo XXI-<br /><br />Sigo sentada a su lado y ahora veo videos de música underground <em>Punk</em> que descifran los orígenes de out-sider y de rebeldía crónica, las ganas de gritar contra el sistema de orden social más obvio, ganas de señalar a gritos lo obvio.<br /><br />El medio escogido para testimoniar nuestra cultura es la figura de <em>Astroboy</em>.<br />Actualmente Carlos trabaja en fibra de vidrio y pinturas de última generación de colores brillantes como los cometas, esta figura ha sido re-interpretada, apropiada, re-dimensionada por Carlos, es su juguete, su molde, su niño, al igual que en la década de los setenta y de los ochenta lo hiciera Koons, maestro de las apropiaciones de nuestra cultura de consumo, nuestra cultura banal. Este artista toma un molde pop para realizar su obra plástica, <em>Astroboy</em>, es un robot niño inmortal, es un súper héroe de los años 60 y hoy tan universal en el medio del calor Aragueño como en una aldea nipona clavada en el centro de la cultural Oriental. Es el Arquetipo de la terrible niñez. Astroboy emblema <em>pop</em> de una década pasada pero que hoy, descontextualizado y mimético, aparece sepultado en el Museo de Aragua. Aparece rosado y camuflajeado en Carabobo. Es un producto directo de todas las imágenes de las mangas japonesas, mezcladas en una licuadora con el sentir social de un artista que nos da la respuesta criolla a las miles de millones de imágenes visuales y escritas que están en un mundo globalizado y que por sus venas corre la cultura pop de los <em>comics</em>, pero ya no con un fin de esparcimiento infantil sino con el fin de evidenciar la estética infantil de una época apocalíptica.</div></div>

Carlos Enríquez González

<a href="http://2.bp.blogspot.com/_ko4-1icaDhk/R5R5DlFFXGI/AAAAAAAAAJk/rQa_myKCxrU/s1600-h/pricipe2.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5157880575646063714" style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; CURSOR: hand; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="http://2.bp.blogspot.com/_ko4-1icaDhk/R5R5DlFFXGI/AAAAAAAAAJk/rQa_myKCxrU/s320/pricipe2.jpg" border="0" /></a><br /><div><a href="http://4.bp.blogspot.com/_ko4-1icaDhk/R5R4-FFFXFI/AAAAAAAAAJc/vPtOBtXXKyI/s1600-h/principe1.bmp"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5157880481156783186" style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; CURSOR: hand; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="http://4.bp.blogspot.com/_ko4-1icaDhk/R5R4-FFFXFI/AAAAAAAAAJc/vPtOBtXXKyI/s320/principe1.bmp" border="0" /></a><br /><br /><div align="center"><strong><span style="font-size:130%;">Arte ≠ Vida: Actions by Artists of the Americas, 1960-2000 (Desde el 30 de enero a mayo de 2008)<br /></span></strong><br /></div><br /><div align="justify">Esta muestra examina, por primera vez, el extenso arsenal de performances creados por artistas latinos desde la última mitad del siglo. Recolectando las películas, los videos, las fotografías, textos, trajes, apoyos, los remanentes y las ilustraciones relacionadas con los trabajos significativos; así como también presentando programas vivos del funcionamiento y del video. Arte explorará tanto las interconexiones de estos artistas en la historia occidental canónica, así como su trayectoria diversa y específica.<br /><br />La exposición será presentada cronológicamente presentando a los artistas, sus recursos y acciones, así como proporcionando la primera descripción bilingüe para estudiantes y el gran público. Los artistas participaten incluyen a:<br /><br />Rafael Montañés-Ortiz (US-Puerto Rican); Alberto Greco (Argentina); Lygia Clark (Brazil); Marta Minujín (Argentina); Helio Oiticica (Brazil); Lygia Pape (Brazil); Artur Barrio (Brazil); Rolando Peña (Venezuela); Roberto Jacoby (Argentina); Eduardo Costa (Argentina); Oscar Bony (Argentina); Tucumán Arde (Argentina); Rafael Ferrer (Puerto Rico-US); Leopoldo Mahler (Argentina-Dominican Republic); Ana Mendieta (Cuba-US); ASCO (Los Ángeles-Chicano); Víctor Grippo (Argentina); Juan Downey (Chile); Cildo Meireles (Brazil); Felipe Ehrenberg (Mexico-London); Papo Colo (Puerto Rico-US); Tony Labat (Cuba); CADA (Chile); Lotty Rosenfeld (Chile); Félix González Torres (Cuba-Puerto Rico-US); Carlos Altamirano (Chile); Carmelita Tropicana (Cuba-US), The Border Arts Workshop (San Diego); Tunga (Brazil); Jorge Eielson (Peru); Leandro Soto (Cuba); Arte Calle (Cuba); Puré (Cuba); Ritual Art-De (Cuba); Ángel Delgado (Cuba), Eugenio Dittborn (Chile); Guillermo Gómez-Peña (México-San Francisco), Coco Fusco (Cuba-US), Nao Bustamante (México-California); David Avalos (Chicano-CA); Daniel J. Martínez (Chicano-Los Ángeles), Adál and the Reverend Pedro Pietro (Puerto Rico-NY), Francis Alys (Belgium-Mexico); Maria Fernanda Cardoso (Colombia), Tania Bruguera (Cuba), Santiago Sierra (Spain-México), Regina José Galindo (Guatemala).<br /><br />La publicación bilingüe relacionada con esta exposición incluirá la voz de académicos emergentes como Deborah Cullen, Elvis Fuentes, Ana Longoni, Claudia Calirman, Maris Bustamante, Sharon Lerner, Sayuri Guzman, Maria Lovino y Gabriela Rangel.</div></div>

El Príncipe negro en El museo del barrio

<a href="http://4.bp.blogspot.com/_ko4-1icaDhk/R5R39FFFXEI/AAAAAAAAAJU/8GIYAnbXWlY/s1600-h/hernanalvarado.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5157879364465286210" style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; CURSOR: hand; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="http://4.bp.blogspot.com/_ko4-1icaDhk/R5R39FFFXEI/AAAAAAAAAJU/8GIYAnbXWlY/s320/hernanalvarado.jpg" border="0" /></a><br /><div align="justify">Hernán Alvarado<br />Zuliano, Isla de Toas, 1948<br /><br />Poeta, grabador, dibujante y pintor, inicia su actividad creativa desde la poesía a comienzos de los años 60 en Maracaibo; su búsqueda y preparación lo llevan en 1967 a Europa donde estudia cine, grabado, se licencia en educación mención Artes Plásticas, en la universidad Paris 8 en 1978, posteriormente realiza estudios de grabado en la Escuela de Bellas Artes de París con Yves Tanguy y se va a Londres donde estudia en la Escuela de Grabado de Saint Natins donde obtiene el diplomado avanzado en Artes Gráficas. En 1979 es aceptado en el Royal Colege of Art donde en 1982 obtiene el master of Arts, regresa a Venezuela y comienza su actividad docente hasta 1995. Expone individualmente desde 1967, y con esta amplia formación Hernán Alvarado nos presenta una obra de gran solidez en la que apreciamos su temperamento reflexivo y revisionista que resultan en una obra de tendencia de elementos informales. La presente exposición viene después de su gran muestra en el Centro de Arte de Maracaibo Lya Bermúdez en Marzo 2006.<br /><br />Alvarado se vale de la línea, el color, el gesto, y el espacio para recrear una escritura visual de ritmos y atmósferas producto de la tensa contención entre la emoción y la razón. Hernán se separa de la estética zuliana por esta capacidad de síntesis entre la pasión colorística y su reflexiva revisión de los lenguajes abstractos que le permiten tamizar y revelarnos su propio paisaje. Este paisaje repleto de signos, símbolos y gestos nos remiten a muchas circunstancias y a ninguna al mismo tiempo; nos coloca en el terreno de las ambigüedades y de la alquimia de la mancha y el lenguaje pictórico cuyo producto son estas obras de serena resolución.<br /><br />Hernán Alvarado descompone el lienzo y el bastidor indagando el lenguaje de la instalación pictórica y es lo que veremos en Alternativa, Elvira Neri Galería de Arte este domingo 20 a partir de las 11. am. </div>

Hernán Alvarado en Alternativa, Elvira Neri Galería de Arte

<a href="http://4.bp.blogspot.com/_ko4-1icaDhk/R5R2tFFFXDI/AAAAAAAAAJM/ZwqoSvKxRLU/s1600-h/jap.JPG"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5157877990075751474" style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; CURSOR: hand; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="http://4.bp.blogspot.com/_ko4-1icaDhk/R5R2tFFFXDI/AAAAAAAAAJM/ZwqoSvKxRLU/s320/jap.JPG" border="0" /></a><br /><div align="right"><span style="font-size:130%;">José Antonio Parra</span></div><br /><div></div><br /><div></div><br /><div><em>Inside me I feel alone and unreal...</em><br />Syd Barrett<br /><br /></div><br /><div align="justify">Tarde, en la noche, transcurren peces. Percibes sus palabras y las conviertes en nadas, nadas que golpean, que rasgan donde debe haber el unísono escape de un momento. Y el instante está en todos lados.<br /><br /><br />Despiertan indecisos y sus atmósferas yacen completas, acabadas. Éste es el transito por la soledad, y nadie responde, excepto el oleaje.</div><div align="justify"></div><div align="justify"></div><div align="justify">Inédito</div>